Tres mujeres convierten la experiencia cotidiana de La Habana en materia artística

Alejandro Guirola construye en este seriado visual un dispositivo capaz de traducir la esencia de cada una de las prácticas artísticas de estas tres mujeres. Su mirada como realizador le hace el quite a la lógica del documental explicativo para privilegiar una narrativa cercana en la que el ritmo, la composición y la observación permiten que las obras dialoguen con los espacios donde nacen: La Habana deja de ser un simple escenario para convertirse en un personaje más, sus calles, fachadas, talleres, texturas, colores y luces conforman un paisaje que respira junto a las artistas y revela las condiciones materiales y afectivas desde las cuales producen. 

Una de las artistas es Mónica Ge Bravo, que explora una práctica entre la fotoperformance, la gestión cultural y la intervención textil. Su trabajo encuentra en las prendas desechadas u olvidadas, los objetos encontrados y los materiales reutilizados la posibilidad de construir nuevos significados. La customización deja de ser un ejercicio decorativo para convertirse en una estrategia de resignificación en la que cada pieza conserva la memoria de su uso anterior mientras adquiere una nueva identidad. Su imaginario propone otras formas de habitar el cuerpo y el vestido, entendiendo el textil como archivo, territorio y posibilidad de transformación, además su proceso nos deja ver cómo el arte es capaz de sanar y sostener realidades.

“Todos los días estoy sentada aquí cosiendo —dice Mónica en el corto documental— con todo este problema: que no hay electricidad, que no hay agua. Aun así, creo que ha sido un viaje lindo estar aquí y tratar de inventar todos los días algo, a veces hacemos conciertos, a veces cineclubs, o vienen mis amiguitos nos sentamos y un poco como que desconectamos de esa realidad tan abrumadora que estamos viviendo ahora”.

Por su parte, Amanda Laurent Santana Rizo desarrolla una investigación autodidacta que sobrepasa el tatuaje —disciplina desde la cual comenzó parte de su recorrido— para expandirse hacia el dibujo, la pintura, el videoarte, el arte urbano y la acción performática. Su obra Sangrado Libre constituye uno de los ejes centrales de esta exploración: una acción que reflexiona sobre el cuerpo femenino, la fertilidad, el paso del tiempo y las marcas que acompañan las distintas etapas de la vida de las mujeres a partir de la aparición de la menstruación. 

“A nosotras desde niñas nos enseñan que sangrar está mal —dice Amanda—, que tenemos que ocultar una cosa tan natural del cuerpo de la mujer, por eso esta pieza me emociona mucho, no sé qué rumbo va a coger, pero estoy apostando mucho por ella, porque pronto por el paso de los años dejaré de menstruar pero la vida me dice: dale, es ahora. Y yo fluyo con esta obra como fluye la sangre”. Desde una perspectiva profundamente crítica e íntima, Amanda convierte el cuerpo en soporte de memoria y resistencia, cuestionando los silencios históricos alrededor de esta experiencia femenina.

La práctica de Lauren E. A.C. nace en la pintura al óleo, pero encuentra en el espacio público una expansión natural de su lenguaje. Su obra reivindica el derecho de toda persona a expresarse libremente y a establecer vínculos con los demás a través de la imagen. El motivo recurrente del grito —presente en buena parte de su producción— funciona como una metáfora de las emociones contenidas, una catarsis visual que transforma la experiencia individual en una expresión colectiva.

En relación a sus vivencias y la resiliencia que le aporta el arte, Lauren dice que “la vida es tan agitada, alterada y estresante, que estas cosas que son las que a uno lo hacen feliz realmente uno las va dejando como si no fueran tan importantes, al final hay que obligarse un poco a salir de todo ese estrés de afuera y venir pa’ acá y sentarte a pintar, porque esto es lo que yo quiero hacer realmente”. Su trabajo circula entre lienzos, textiles, prendas de vestir convertidas en manifiestos y los muros de la isla donde sus piezas se convierten en actos de presencia, crítica y protesta.

Aunque sus búsquedas estéticas responden a intereses diferentes, estas tres artistas comparten una convicción profunda: el arte permanece como un espacio de libertad incluso cuando las condiciones materiales parecen limitarlo. Desde la mirada de Alejandro, estos visuales no buscan explicar el arte cubano echando una simple ojeada externa ni reducirlo a las dificultades del contexto, por el contrario acercan al espectador a tres prácticas que revelan la vitalidad del panorama artístico contemporáneo de la isla y la manera en que el arte continúa encontrando formas de existir, transformarse y dialogar con su tiempo.

Uno de sus mayores aciertos es el tratamiento del color. Cada plano aprovecha la riqueza cromática de la ciudad y de las propias obras para construir una experiencia visual donde los contrastes, los desgastes de la arquitectura, la luz tropical e incluso la falta de electricidad junto a la intensidad de las piezas artísticas conviven en un mismo lenguaje estético. La dirección de fotografía no busca embellecer artificialmente la realidad, sino potenciar la belleza que emerge de ella, revelando la fuerza visual de un territorio donde la creación persiste incluso en medio de la escasez

Su trabajo también destaca por la capacidad de adaptar el lenguaje cinematográfico a la identidad de cada artista. Cada video crónica posee un ritmo, una atmósfera y una construcción visual propia, evitando fórmulas repetitivas. La cámara acompaña los gestos del oficio, observa los materiales, se detiene en los detalles y permite comprender cómo cada proceso creativo encuentra soluciones singulares frente a las limitaciones cotidianas.

Esta aproximación convierte esta nueva apuesta visual en algo más que documentos audiovisuales: son retratos sensibles donde convergen la práctica artística, la memoria de la ciudad y la experiencia de habitar La Habana. Con la realización minuciosa y sentida de Alejandro Guirola se logra que el espectador no solo conozca la obra de estas poderosas artistas, sino que perciba el ecosistema cultural, humano y urbano que sostiene sus procesos de creación.

Al apoyar este tipo de proyectos audiovisuales el proyecto Forma Tu Bulla desde el ala de Latinoamérica Grita, busca más que registrar trayectorias individuales, pues estas producciones constituyen un testimonio sobre la imaginación como herramienta de resistencia. Y en esta ocasión son el retrato de tres mujeres que convierten la experiencia cotidiana en materia artística y que, desde lenguajes diversos, demuestran que el talento, la sensibilidad y la necesidad de crear trascienden cualquier limitación material. En ellas, el arte no solo sobrevive, se reinventa continuamente, haciendo visible la inmensa fuerza creativa que sigue emergiendo desde Cuba.